Творчество
ВИКТОРА УВАРОВА

Творческий путь.

Творческий стиль художника.

     Ведущая тема моего творчества – «Процесс поиска белого».

     Религия и творчество.

     Собственные произведения, которые мне наиболее дороги.

Немного об истории таписсерии.

Творческий путь.

Мое раннее детство прошло на черноморском побережье Грузии в городе Батуми, затем наша семья переехала в Ереван. Мы прожили в Армении семь лет, и когда пришла пора прощаться я, буквально, на одном дыхании написал несколько десятков акварелей на память о библейской земле Арарата и Ноева ковчега. Что явилось толчком к творчеству? Наверное - это промысел божий, видимо мать-природа распорядилась таким образом, что на роду написано было мне писать, но не пером, а кистями, красками, цветными нитями, да еще ткать.

В Москве в Художественном училище памяти 1905 года я прошел академическую школу живописи в традициях реалистического искусства XIX века. Основными авторитетами были Репин, Суриков, Врубель, о современной живописи мы практически ничего не знали. (Ныне у меня есть свой пантеон: Пикассо, Матисс, Юккер, Абаканович).

После окончания училища я вступил в «Объединение молодых художников и искусствоведов» при Союзе художников СССР. Правлению молодежной секции мною были представлены портреты современников, выполненные в традиционной классической манере. Я был убежденным реалистом, и меня это устраивало. Мог ли я тогда думать, что через несколько лет столкнусь с совершенно иной эстетикой в Будапеште, куда меня направят на полный курс обучения в Венгерскую Академию декоративно-прикладного искусства.

То время сейчас принято называть застойным. Но застойным у нас – в соседней стране уже тогда растекались по мастерским художников, по выставочным залам иные реалии, ощущался напор иной пластики. В Венгрии я познакомился с искусством абстрактной живописи и таписсерии.

В Венгерской Академии свято сохраняют традиции производства таписсерий, у этого факта своя история.

Изумительный мастер ткачества, происходящий из знаменитой художественной семьи Ференци – Ноэми Ференци в 1911 г. работала на мануфактуре Гобеленов в Париже. Она освоила технику классической таписсерии, а потом вернулась в Венгрию и стала преподавать секреты мастерства, которые знала сама.

Венгерское искусство текстиля благодаря Ноэми Ференци достигло европейского ранга. О международном признании свидетельствуют приглашения на различные европейские выставки, закупка работ лондонским музеем Виктории и Альберта и Гран При, завоеванный художницей в 1937 году на всемирной выставке в Париже. С тех пор венгры стараются сохранить технологию в первозданной чистоте.

В Венгрии было изобилие книг, материала для работы, но самое главное – другое искусство, искусство авангарда. Мне пришлось открыть совершенно иной мир. Приехав в Будапешт, я оказался как бы по ту сторону «берлинской стены» – это сейчас её разрушили, а в 1980 она еще существовала.

Закончив обучение, я понял какой огромный мир существует вокруг, насколько он шире искусства так называемого соцреализма. За это большое спасибо моим венгерским учителям. Художники Карой Плесени и Гизелла Шолти научили меня по-новому осязать мир, видеть то, что скрыто под привычными понятиями, стереотипами поведения. Секреты ручного ткачества мне помогала постичь Ева Пенкала – она очень терпеливо и последовательно обучала меня различным ковровым техникам, в том числе и технике французского гобелена, именно от них я научился ювелирно переплетать нити и цвета, стремиться к совершенству. Важно было не просто ткать ковер или писать картину, а создавать произведение, по венгерски «мю ледьен». Поэтому я и сейчас могу день ткать, а потом, если мне что-то не понравилось, то день распускать нити и ткать заново, чтобы техническое исполнение было безукоризненным и способствовало созданию истинного произведения искусства.

Кстати, в моей мастерской находится станок, которого нет, знаю точно, ни у кого в СНГ, раньше я говорил в Советском Союзе. Он подобен тем станкам, которые использовались на старинных мануфактурах. После того, как в газете «Правда» в день открытия очередного съезда партии опубликовали мою фотографию на фоне станка, через редакцию меня разыскал заслуженный изобретатель России Ю.С.Полинов и предложил сотрудничество. В результате мы разработали новый станок и более того получили патент Российской Федерации на изобретение ручного ковроткацкого станка.

После окончания Венгерской Академии декоративно-прикладного искусства меня пригласили на работу в Московскую государственную текстильную академию. Я преподаю цветовые гармонии по курсу основы композиции и общепрофессиональные дисциплины «Художественное проектирование костюма», «Форма и материал» и «Архитектонику объемных структур». Мы работаем в стиле так называемой «неукрощенной моды». Студенты под моим руководством создают экспериментальные, неординарные костюмы, не обычную одежду, используемую в обиходе, а костюмы-идеи, призванные будить воображение. Это костюмы-фантазии для подиумов и театрализованных представлений, например, со студентами 2-го курса я поставил интересный текстильный перформанс «Бал короля Архитектоники в честь богини Таписсерии».

Начало страницы

Творческий стиль художника.

Творческая манера художника неразрывно связана с его мироощущением и миропониманием. Картины отражают мой авторский философский подход к изображаемым явлениям. Я не реально воспроизвожу видимое, а выстраиваю оптическую партитуру из музыки, голосов людей, отрывков стихов. Стараюсь строить пространство художественного образа по законам музыкальной гармонии, преображаю живопись в музыкально-изобразительную поэзию.

Несмотря на то, что учился за границей, мои поиски художественной выразительности наделены определенной преемственностью с русским авангардным искусством начала XX в. В них можно увидеть и черты монументальной фресковой живописи древнерусских храмов с ее лаконизмом, выверенностью композиционных решений, звучными аккордами красок, подсказанными музыкой столетий. Мой индивидуальный подход, очевидно, заключается в том, что поэтичность своих замыслов я стараюсь передать с помощью определенного цвето-светового построения. Акварельность как качество живописи широко распространена и в картинах, и в таписсериях, в которых она создается плавностью красочных переходов, непрерывностью перетекания одного цвета в другой. Сам выбор цветовых созвучий обуславливает тонкость переходов интенсивных красочных пятен в нежные полутона. Зная, какими богатыми выразительными возможностями обладает поверхность самой ткани, в своих живописных произведениях я стараюсь показать зрителю красоту текстуры холста, по которому пишется картина. Я никогда не позволяю себе забивать всю поверхность полотна толстыми слоями краски, как это часто встречается у некоторых живописцев, что не поймешь холст у автора или фанера. Тонкими слоями лессировочных красок, акварельными переливами тонов я создаю живописную среду, в которой мощно звучат удары белого цвета.

Начало страницы

Ведущая тема моего творчества – «Процесс поиска белого».

Трудно сказать почему так вышло. Мне удалось осознать это совсем недавно, оглядываясь на свой творческий путь, я заметил, что многие предыдущие работы подводили меня к этому моменту. Среди множества разных цветов я ищу белый, потому что состояние белизны позволяет достичь состояния наивысшей духовной концентрации. Белые линии могут являться знаками белого духовного языка: на нем мы начинаем медитировать, входим в философский круг образов. Состояние белизны можно понять как молитву, в ней заключено духовное переживание. Я не создаю точных изображений или правдоподобных иллюстраций и даже если иногда встречаются в моих произведениях фигуративные мотивы, то и они скорее часть беспредметного мира, проявляющегося в отвлеченных символах, живописных переливах цвета, обладающих высокой степенью эмоциональности.

Искусствоведы отмечают, что музыкально-поэтический строй образов в моих произведениях проникнут содержательно-молитвенным размышлением, способствующим постижению гармонической картины мироздания.

Начало страницы

Религия и творчество.

В создании таписсерии, равно как и картины для меня есть что-то церковное, есть как бы некое служение, священнодействие. Начиная с создания эскиза, крашения шерсти, заправки станка и кончая самим процессом ткачества – все делаю собственноручно. В течение многих месяцев кропотливой работы ковер как живое существо растет на моих глазах, и в каждую проложенную нить я вкладываю какое-то чувство и настроение.

Профессиональный труд – достойная Бога молитва. Сам апостол Павел в «Первом послании к Коринфянам» пишет: «Итак, едите ли вы, или пьете, или что делаете, – все во славу Божию делайте». Одной из важнейших частей жизни верующего является молитва. Встречаются нередко интеллигентные люди, которые говорят: «Верим, что существует какая-то высшая сила» – и все, в церковь не ходят, не исповедаются, не причащаются. Мне этого мало. Самым главным моментом общения после того, как ты пустил господа в свое сердце, является молитва. Многие отцы церкви, среди них и Василий Великий и Макарий Великий не зря считали, что молитва их всех дел – это самое трудное. Помимо церковных богослужений и молитв «глаголимых» наедине, произведения – тоже мои молитвы. В них я славлю Бога, воспеваю красоту мира как совершенного творения Господа, жажду, чтобы человек, глядя на картины, очищался, становился лучше, добрее, освободился от пут, от суеты, от забот материального мира, радовался миру невидимому, миру горнему, обрел покой.

Подлинный смысл человеческой жизни необъясним без существования Бога. Сию истину надо осознать. «Господь – пастырь мой» – утверждает в своем псалме царь Давид. Это верно и на сегодняшний день.

Широко распространено мнение, что если художник православный, то он должен работать по канону, писать иконы, повторять уже ранее признанные, старинные образцы. Мне подобная точка зрения представляется ошибочной. Она лишает картину духа современности, заставляет забыть, что каждое произведение искусства – дитя своего времени. К сожалению, в России принято только восстанавливать храмы, а не строить новые, используя завоевания современной архитектуры. Ведь согласитесь, какая увлекательная творческая задача для архитектора построить храм конца 20 столетия. На западе мы имеем ряд тому примеров: капеллу в Роншане Ле Корбюзье и часовни Алваро Аалто, оформление интерьеров витражами Матисса в капелле «Четок» и Шагала в капелле «Асси».

Мои произведения религиозны по духу, а не по букве. Я ищу белый потому, что он считается не только цветом чистоты и ясности, но и выступает в качестве символического воплощения света. Белый как свет высшей божественной истины.

Начало страницы

Я мало подвержен моде, почти не занимаюсь популярной сейчас тематикой рассчитанной на быстрый сбыт. Иду собственным путем по законам сердца и ощущению правды, адекватности восприятия жизни и самого себя среди людей. Поэтому я и занимаюсь абстрактным искусством как более передовым и прогрессивным. Направления абстракции имеют разные названия: экспрессионизм, ташизм, фовизм, Хард-Эдж, нонфигуративизм, они получили широкое распространение в жировой живопись как модернизма, так и постмодернизма. Само понятие «модернизм» происходит от английского слова модерн – современный. Именно обостренное чувство современности, ощущение духа времени заставляют художника создавать абстрактные композиции.

Как относится к творчеству моя семья? Моя супруга очень красивый, обаятельный и душевный человек. Она не только признает, но и помогает, окружает меня заботой и вниманием. Сын пошел по моим стопам, он учится на кафедре моделирования костюма на художника-стилиста. Жена и сын обычно первые зрители и критики моих работ. Насколько я знаю, мои картины им очень нравятся.

Начало страницы

Собственные произведения, которые мне наиболее дороги.

Я бы отметил таписсерию «Пробуждение». Цветовое решение в малиново-золотистых тонах является смелым вызовом традиционному коричневато-зеленому колориту. Изображение человеческих фигур – это высшая категория сложности, они мягко вписаны в окружающую среду, многоцветную ткань таписсерии.

«Пробуждение» – современное прочтение Евангелия. Это своеобразный вариант «тайной вечери» – созревание заговора, пробуждение от сна, преломление хлеба Нового завета, известие о предательстве, борьба светлых и темных сил – все соединилось в этом ковре разнообразной пространственно-временной и смысловой наполняемости.

В таписсерии «Медитация» я пытался дать свою философскую концепцию искусства. Эта работа авангардна не в силу того, что она не фигуративна, абстрактна, а потому что несет в себе интересную мысль. Цель искусства проста и чиста - оно должно стимулировать мыслительный процесс. Но уделяя внимание чувственной стороне культуры, считаю, что не должен быть исключен и субъективных психологический компонент. Вибрация поверхности, причудливая игра нефигуративных элементов, переливы тончайших оттенков малиновых и золотистых тонов позволяют погрузиться в ничем не нарушаемую медитацию или, по крайней мере, способствуют желанию предаться философским размышлениям.

Начало страницы

Немного об истории таписсерии.

Искусство таписсерии - это искусство ковра. Оно было известно еще в Древнем Египте. Тканые изображения, найденные в гробнице фараона Тутмоса IV относятся к времени нового царства (XVI-XI вв. до н.э.). На одной из фресок в Бени-Хассане, датируемой X в. до Рождества Христова, представлен весь процесс ткацкого ремесла идентичного тому, который известен сегодня.

В Европе таписсерия зарождалась за стенами тихих монастырей, под сводами романской архитектуры во времена крестовых походов. Эти произведения, исполненные терпения и набожность, предназначались для орнаментации Божьего Дома. Мы не знаем как проникла техника ткачества в Западную Европу и относительно какой аналогичной системы были сотканы первые таписсерии. Арабы ли принесли эту технику во время своих завоеваний? Крестоносцы ли привезли ее позднее с Востока? Века скрывают от нас эту тайну.

Еще более затруднительно определить каким образом и по какому случаю первоначально сакраментальный орнамент стал служить украшением жилых интерьеров. В списках предметов роскоши в крепостях и замках французских аристократов сначала редко, потом чаще и чаще встречаются упоминания о таписсериях, покрывавших дворцовые залы сверху донизу. Таписсерия служила экраном против холода и ветра, утепляя грубообработанные, часто влажные каменные стены. Но утилитарное предназначение таписсерии не объясняет полностью того грандиозного успеха, которого она достигла в истории мировой культуры. Равную роль здесь играет и престиж. Французы с большой любовью относились к искусству таписсерии, видя в нем пример красоты и совершенства, но для них это был и знак богатства, славы и могущества хозяина. В некоторых случаях приобретение таписсерии мотивировало желанием публично засвидетельствовать перед современниками свой социальный ранг и авторитет.

Знаменитые центры по производству таписсерий располагались в Париже, Аррасе, Турне, Брюсселе, Антверпене, Ауденарде. В 1602 году король Генрих IV поселил ткачей из Брюсселя и Антверпена в Париже на берегу речки Биевр в Бург-Сен-Марсель. Это место было уже знаменито благодаря красильной мастерской братьев Жана и Филибера Гобеленов. Министр финансов Людовика XIV Ж-Б. Кольбер объединил мастерскую в Менси с мастерской наследников фламанских таписсьеров Марка де Команса и Франсуа де ла Планша и основал в 1662 году «королевскую мануфактуру Гобеленов». Эта мануфактура функционирует по настоящий день. Следует сказать, что в России неправильно используется термин «гобелен». То, что у нас называется гобеленом, художники во всем мире определяют словом «таписсерия». Это понятие включает в себя и разнообразные фактурные разработки и использование в изделиях не только ткацких техник, но и трикотажных переплетений, вышивки, кружева аппликации и даже нетекстильных материалов. Таписсерия может быть и плоскостной и объемно-пространственной.

Работники мануфактуры Гобеленов (откуда и пошло русское название) часто обижаются, когда произведения искусства, сотканные в других местах, называют по имени их производства. Гобелен есть только то, по мнению французов, что вышло из стен их мастерской, из мануфактуры Гобеленов.

Выставка Виктора Уварова прошла с 7 декабря 2006 года по 20 января 2007 года
в Венгерском культурном, научном и информационном центре
Поварская ул. 21 (м. Арбатская, Баррикадная)

Начало страницы